Joven y bella, François Ozon en la 55 Muestra

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Joven y bella (2013), la nueva película de François Ozon, presenta la vida de una joven de 17 años, estudiante de literatura, que se prostituye con hombres maduros. Después de un suceso inesperado la chica es descubierta por su familia y, de algún modo, debe enfrentarse a la pregunta obvia: ¿por qué se prostituye?

El filme de Ozon remite a dos películas francesas: Bella de día (1967), de Luis Buñuel; y Violette Noizère (1978), de Claude Chabrol, donde sus respectivas protagonistas se prostituían como consecuencia del aburrimiento burgués (en el caso de Buñuel) y de la opresión social (como pasa con Chabrol). Ozon no está interesado en la explicación del comportamiento de su protagonista ya que, más que otra cosa, retrata una fantasía sexual, remarcada por el inicio de la película: alguien espía, a través de unos binoculares, a una chica tendida sobre la arena en la playa; después descubrimos que se trata de Víctor, el hermano de Isabelle, nombre de la protagonista.

La historia bien podría convertirse en un thriller, en la tradición de Chabrol, o en una crítica, como el filme de Buñuel. No. Ozon muestra la melancolía, la evasión y soledad características de la adolescencia. Isabelle está interesada en obtener experiencia. Intimida a Víctor con sus preguntas sobre el noviazgo y la pornografía; consuela a una amiga que ha tenido su primera relación sexual; no le sorprende demasiado descubrir la supuesta infidelidad de su madre; tampoco el nerviosismo que produce su belleza en su padrastro.

Ozon entrega una película poco explicativa, sin demasiados sobresaltos, donde las consecuencias de los actos de Isabelle, o Lea, su seudónimo erótico, se diluyen con apenas repercusiones notables, como ocurre en las películas que hemos mencionado. Tal como narra el poema Aventura, que Isabelle y sus compañeros leen en clase, (Con diecisiete años no puedes ser formal…), de Arthur Rimbaud, hacia el final la protagonista ha sido transformada por la experiencia; la aparición de una mujer (interpretada por Charlotte Rampling) que frente a ella, como en un espejo, la mira a través del paso de las estaciones, confirma la fantasía.

Joven y bella (Jeune et jolie), fue presentada en Cannes 2013.

por @CarlKarlRoNa

Gravity: la posibilidad de aferrarse/soltarse

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Debo confesar que Gravity, o Gravedad (2013), no es la película que yo esperaba. El éxito del filme de Alfonso Cuarón es entendible, es una película de Hollywood, gran dosis de entretenimiento y tensión, aunque, y hay que decirlo, no es mejor que Children of Men (2006), el filme anterior de Cuarón. Gran parte del éxito de la película se debe a la presencia de Sandra Bullock y George Clooney, dos incuestionables estrellas del cine, con el imán para que la gente acuda a las salas de cine.

El discurso de Gravity es, esencialmente, sobre la renovación y el impulso por vivir. Es verdad, la imagen donde se ve a Bullock dormir en posición fetal, ya a salvo de la primera situación amenazante, es poderosa, remite a un estado donde se descansa en el contenedor que provee seguridad y alimento, donde los peligros están en el exterior; hay un recogimiento donde la metáfora de la casa (que puede estar representada por un huevo, el útero o la Tierra) funciona como el sitio, y el estado, al que Ryan Stone (Bullock) pretende regresar, una vez que ha sorteado la posibilidad dual de aferrarse/soltarse.

Cuarón podría estar interesado en el tema del nacimiento, como se puede observar en Children of Men, donde un grupo de perseguidos debe proteger a la única mujer embarazada en la Tierra en una buena cantidad de años; en Gravity es evidente que existe una idea del renacimiento que ha sido explorada de una forma adecuada para un blockbuster: con un tratamiento ligero, aunque no por ello menos eficaz.

Hay un gran mérito en Cuarón y Emmanuel Lubezki, el director de fotografía del filme: sus imágenes no necesitan palabras, el poderío visual de la película parte de un guión cuidado al máximo que, sin escapatoria, atrapa al espectador en la proyección de una pesadilla donde la caída está suspendida, los miedos flotan, se dispersan, se proyectan en la pantalla, son un reflejo del inconsciente de Stone, que, a diferencia del colorido del panorama que observa el astronauta experimentado que interpreta Clooney, dice no gustarle lo que tiene a su alrededor, “odio el espacio”, se le escucha decir.

Gravity es, sin duda, la película de ciencia ficción que se desmarca del tema clásico del género (el complot), decisión que la diferencia de otros filmes distópicos recientemente estrenados, y fallidos.

Sandra Bullock logra, como era de esperarse, la empatía necesaria con el público; es uno de los mayores aciertos de Gravity; le espera una, bien merecida, nominación al Oscar.

 

por @CarlKarlRoNa

La creación de la fatalidad: La perla

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La perla (1947) es una película con una ambientación tan bella como intoxicante, la fotografía de Gabriel Figueroa expresa bien el conflicto del filme de Emilio “El Indio” Fernández: la fatalidad del desconocimiento, la esterilidad de los esfuerzos, la imposibilidad de escapar del sistema económico y social; la realidad, aunque bella visualmente, es una condena circular, ningún elemento corrompe el orden establecido: la tierra fue dada para todos, pero el mando sólo para aquellos capaces de manipular el conocimiento que, visto desde el punto de vista del filme, es la semilla del control. La perla es una película que enfatiza los arquetipos, el hombre es fuerte, valeroso y estoico; la mujer está dispuesta a seguirlo y apoyarlo, siempre un paso atrás. Pedro Armendáriz y María Elena Marqués encuentran en la posesión de una perla, hallada en el mar, la posibilidad de escapar del trabajo bestial, y, ante todo, una oportunidad para que su hijo aprenda a leer y escribir. El problema es que ellos no saben cuánto vale lo que tienen. El médico del pueblo anhela la perla de una forma obsesiva, su criada es su cómplice, un espejo de los roles protagónicos; la persecución inicia con la forma más sencilla de persuasión, el chantaje, y termina con el desdén y la creación de una leyenda, la maldición de algo que, como todos los mitos, no se explica de forma racional. Las imágenes de Figueroa son poderosas, cargadas de una belleza opresiva que aporta de verdadera autenticidad al relato del filme. Una pregunta importante: ¿qué validez tiene el discurso de La perla actualmente? Aquí el filme completo, en su versión original.

 

por @CarlKarlRoNa

70 años de Catherine Deneuve

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Sólo bastaría Tristana para considerar la carrera de Catherine Deneuve. Dirigido por Luis Buñuel, dicho film, estrenado en 1970, presenta una grandiosa transformación de la actriz francesa: de una dulce joven a una mujer agria a la que le falta una pierna y le sobra el rencor por el personaje de Fernando Rey.

El próximo 22 de octubre Deneuve cumplirá 70 años. El 7 de diciembre será homenajeada por la Academia de Cine Europeo por su prolija carrera que, además de los filmes con Buñuel (en 1967 hizo Bella de día con el español), abarca una serie de notables películas, ejemplos del talento de una de una ambiciosa actriz, cuyo nombre se asocia a importantes creadores.

Con sus acertadas decisiones Deneuve se convirtió en la mujer que desveló las fantasías del cine clásico al representar el fin de la espera del amor en Los paraguas de Cherburgo (1964, Jacques Demy), la artificiosa y escindida vida de la burguesía en Bella de día y la reconfiguración de la mujer fatal (que lleva a la perdición al hombre) que hizo François Truffaut en La sirena del Mississippi, donde Jean-Paul Belmondo insiste en ser destruido por Deneuve.

Su nombre también está asociado a Roman Polanski, Lars von Trier, Leos Carax y François Ozon.

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por @CarlKarlRoNa

El tiempo del lobo de Michael Haneke

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Michael Haneke deja fuera de El tiempo del lobo (Le temps du loup, 2003) la explicación de aquello que desencadena lo que ocurre con una serie de personajes que se encuentran, presumiblemente, cerca del fin, a unos pasos del colapso, donde se revelan diversas tensiones sociales. La escena inicial nos toma desprevenidos, como (supuestamente) a los personajes. Al reflexionar en la actuación de Isabelle Huppert (una madre de familia que llega junto a su esposo e hijos a su casa de campo) hay pistas de que el orden ya había sido alterado desde antes, en su rostro no hay demasiada sorpresa; esta forma de abordar las situaciones causan una reacción distinta en el espectador, se pierde el vínculo sentimentalista para adentrarse, más que en un personaje, en la historia.

El tiempo del lobo se asemeja a El caballo de Turín (A torinói ló, 2011) de Béla Tarr (filme exhibido en el Festival Internacional de Cine de Morelia en el 2011, con la presencia del director húngaro), donde, de igual forma, hay una visión apocalíptica, aunque mucho más tensa y llena de planos secuencia, donde el viento y la aridez hacen imposible la huida; la ausencia de alimentos y de agua confinan a los personajes al fin. No hay escapatoria

Hay muchos elementos interesantes en el filme de Haneke, una especie de ensayo sobre la organización social que debe instituirse para lograr un orden en el grupo que espera echar a andar un tren para llegar a otro sitio, mientras intercambian sus pocas pertenencias por otros privilegios, como el agua. La película, de igual forma, explora el comportamiento de un niño, el hijo del rol de Huppert, que intenta probar ser un Justo, un hombre que impide la destrucción del mundo.

 

por @CarlKarlRoNa

 

La historia de Crazy in Love de Beyoncé

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Hace 10 años, Beyoncé dominaba la lista Billboard Hot 100 con Crazy in Love, canción que es, hasta el momento, su más grande éxito. ¿Cómo es que surgió la que para muchos es la mejor canción pop de la década pasada?

El single debut de Beyoncé como solista estuvo en el #1 durante 8 semanas, desde la segunda de julio y hasta la última de agosto de 2013. En un principio Beyoncé rehusó que la canción utilizara un sampler con un riff de trompetas, parecía demasiado anticuado, aunque, en definitiva, eso fue lo que le dio a Crazy in Love el toque funk y retro que todavía la distingue como una gran canción.

Rich Harrison es el genio detrás del himno musical del 2003. Tiempo antes de que fuera buscado por el equipo de Beyoncé, que preparaba su álbum Dangerously in Love, concibió el uso de una parte de la canción Are You My Woman? (Tell Me So) de The Chi-Lites. El título, y la parte lírica principal de Crazy in Love, surgió en una reunión entre la cantante y el productor; cuando esta, nada glamorosa, se miró al espejo dijo “I’m looking so crazy right now”, dio a Harrison la pauta para que Beyoncé completara la letra.

Más tarde se involucraría Jay-Z, cuya participación se llenó de diversas referencias culturales de alta referencia en la actualidad. “Ol’ G, gran amigo, el único y verdadero / Tipo huesudo, pero el bolsillo gordo como Tony Soprano”, canta el rapero al referirse a un ex gángster en la canción, que para él fue su segundo #1, después de que en 1999 llegara a la cima con Mariah Carey y Heartbreaker.

Cuando la canción se volvió un éxito Beyoncé tenía 21 años, Harrison había hecho un par de cortes para Mary J. Blidge.

En el 2006 volvieron a trabajar juntos en B’ Day, el segundo disco solista de Beyoncé, en los cortes que definieron el sonido del disco, Sugar Mama y Freakum Dress. En el 2005, Harrison intento repetir la fórmula de un pegadizo sampler funk con Get Right de Jennifer Lopez, que sólo llegó al #12 en el Hot 100.

por @CarlKarlRona

Uma Thurman en Nymphomaniac

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Lars von Trier tiene tanto genio como malicia. Experto en el retrato femenino, por fin ha revelado a Uma Thurman en Nymphomaniac como la señora H, una mujer que reclama la consecuencia de los actos de la ninfómana: la supuesta ruptura de un hogar.

Thurman, famosa por sus películas con Quentin Tarantino, tiene una carrera muy irregular que el reloj de Hollywood se ha encargado de acelerar para confirmar que no hay (muchos) roles femeninos relevantes en la gran industria.

Por lo visto, Von Trier le dio un rol que explora una de la aristas femeninas que serán parte de las digresiones del filme. El reclamo, el olvido, la decadencia frente a la joven Joe, que interpreta Stacy Martin.

Nymphomaniac será estrenada el día de Navidad en Dinamarca.

por @CarlKarlRoNa

LaBeouf (casi desnudo) en Nymphomaniac

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Hoy se reveló el Capítulo 2 de Nymphomaniac, lo nuevo de Lars von Trier.

(El Capítulo 2: Jerôme. El amor es sólo lujuria con celos añadidos.

“Aunque el amor es un sentimiento superficial a los ojos del cínico ninfómano, la joven Joe se mide con fuerzas que penetran sus blindadas defensas. Su nombre es Jerôme”).

Shia LaBeouf no es otro que Jerôme, que aparece en el fotograma junto a la actriz Stacy Martin, que hace de una joven Joe.

por @CarlKarlRoNa 

Nymphomaniac, (Lars von Trier) el primer clip

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Nymphomaniac, la nueva película de Lars von Trier

Nymphomaniac, la nueva película de Lars von Trier

UPDATE

Aquí está el primer clip de Nymphomaniac, con una joven Joe (que interpreta Stacey Martin), donde recibe consejo para ligarse a dos hombres: “sólo llévalos al baño y ten sexo con ellos”, dice B (Sophie Kennedy Clark). La fotografía del film es del chileno Manuel Alberto Claro, que ya trabajó con Lars von Trier en Melancholia.

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Nymphomaniac () Imagen de la nueva película del genio danés Lars von Trier. ¿Cuál será la plataforma que usará para estrenar su película? ¿Quizá Venecia 2013?

Charlotte Gainsbourg, Christian Slater, Uma Thurman, Shia LaBeouf, Willem Dafoe y hasta el propio von Trier fotografiando el hermoso desastre de Nymphomaniac.

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por @CarlKarlRoNa

El amor, las mujeres y el gran Gatsby

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El siglo XX marcó el nacimiento de un imperio y Scott Fitzgerald fue el encargado de narrar aquel descomunal crecimiento urbano, plagado de majestuosas e intimidantes historias, rodeadas de glamur, belleza artificial y tintes trágicos; y que al igual que el progreso, el deseo de felicidad, el consumo y la acumulación material, dieron forma a un incipiente estilo de vida, hilvanado como un sueño alcanzable en la majestuosa nación que empezaba a formarse, al igual que la historia de la literatura norteamericana.

Baz Luhrmann es el encargado de llevar, para el publico del siglo XXI, al Gran Gatsby, al cine; una tarea obvia para un director encauzado siempre en los excesos y el vacio efímero de las posesiones y la belleza.

Leonardo DiCaprio, emancipado al fin de los sentimentalismos telenoveleros; se encamina a las sensaciones psicóticas de un enigmático y angustiado Gatsby, que aún desea cumplir el anhelo de reencontrar a su siempre lejana Daisy Buchanan; la femenina, dulce y silenciosa Carey Mulligan, encargada de destruir el amor y la vida de un Gatsby inoperante y ansioso ante el amor incumplido.

Tobey Mcguire será el encargado de narrar la delirante historia del poderoso y solitario millonario de la costa de Nueva York, quizá el papel más flojo, pero también el que menos exigencia y trascendencia tendrá en la vida narrativa de la película.

Gatsby concluye en el siempre doloroso desamor, desatado ante el desengaño de una figura manipuladora, y se redime ante el penoso pasaje de una vida llena de superficialidades, como alguien deseoso de cumplir el sueño de convertirse en aquel que lo tiene todo, a pesar de no provenir de esa cuna y de esa sangre, que se identifica por su anhelo de poder y dominio de los demás.

La belleza y el progreso son estandartes de la cultura del consumo, parece que el relato del Gran Gatsby deja los cimientos de un amor clásico, excesivo y condenado al fracaso. Fitzgerald unió la idea de amor y progreso social para crear una historia, esta idea ahora en un concepto globalizante sigue siendo atractiva y embriagante, y parece que al igual que la novela todo esta condenado a un desenlace fatídico, algo típico en un mundo donde la idea del amor se confunde con el deseo de poseer a alguien.

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